С незапамятных времен лошади были самыми верными друзьями человека. На протяжении тысячелетий они служили людям на охоте, на войнах и в быту. В 2008 году в мире насчитывалось почти 59 000 000 лошадей!
Независимо от того, используются ли они для отдыха, спорта или работы, эти великолепные существа очаровывают художников и дизайнеров на протяжении тысячелетий. В этой статье мы покажем ключевые европейские произведения искусства, посвященные образу лошади, и вы узнаете, как наше восприятие этого благородного животного менялось с течением времени.
Наскальные рисунки Ласко, верхний палеолит, Монтиньяк, Юг Франции.
Недалеко от деревни Монтиньяк, графство Дордонь, на юго-западе Франции, находится сеть пещер, украшенных одними из самых старых и известных настенных росписей в мире. Они были обнаружены в 1940-х годах 18-летним Марселем Равидатом, когда он спасал свою упавшую в яму собаку. Предположительно эти росписи были сделаны 17 000 лет назад.
Более 6000 фигур покрывают внутренние стены и потолки пещер, изображая множество человеческих форм, абстрактных знаков и местных животных. Лошади, несомненно, являются одним из самых заметных предметов: из примерно 900 идентифицируемых фигур животных есть 364 картины с лошадьми.
Интерпретация картин постоянно обсуждается, некоторые рассматривают их как рассказ о прошлых охотничьих попытках; другими как часть мистического ритуала для повышения будущего успеха на охоте. Независимо от их значения, большое количество лошадиных сюжетов указывает на то, что лошади занимали центральное место в повседневной жизни на протяжении тысячелетий.
Наскальная живопись с изображением бурой лошади в Ласко. Большинство изображений в пещерах были нарисованы с использованием минеральных пигментов в оттенках красного, желтого и черного.
В 1994 году группой спелеологов была обнаружена пещера Шове на юго-востоке Франции.
Пожалуй, самым известным участком пещеры является Панель лошадей, считающаяся шедевром для своего времени.
По размерам пещера Шове больше, чем пещера Ласко, она включает залы и галереи общей длиной 800 метров и высотой до 18 метров. Люди населяли пещеру в период от ≈ 37 000 до 33 500 лет назад, а затем снова в период от 31 000 до 28 000 лет назад.
В пещере обнаружено 435 рисунков с изображениями животных. Наскальная живопись представляет собой один из древнейших образцов пещерного искусства в мире. Возраст старейших рисунков оценивается в 36 тыс. лет, однако точная датировка вызывает споры.
Конная статуя Марка Аврелия, римская, ок. 175 год нашей эры.
Одна из самых известных конных статуй всех времен, эта благородная бронзовая статуя увековечивает память римского императора Марка Аврелия (правил в 161-180 гг. н.э.). Возвышаясь на впечатляющие 13 футов, статуя излучает мощь и величие, подобающие императору Рима.
Марк Аврелий протягивает руку в знак обращения или милосердия – частая поза для памятных статуй императоров того времени. Показанный без оружия и доспехов, император изображается, как приносящий мир (каким он видел себя и свое правление), в то время, как изображение его верхом на лошади вызывает чувство военного триумфа.
Большие конные статуи императоров были обычным явлением в Древнем Риме, по крайней мере, 22 из этих equi magni («больших лошадей») были возведены в честь военных и гражданских достижений изображенного императора. Лошади были настолько неотъемлемой частью военной жизни в Риме, что существовал целый класс граждан, известный как «эквиты» (буквально «кавалеристы»), занимавший второе место после сенаторского класса.
Возвышающаяся скульптура в настоящее время выставлена в Капитолийских музеях в Риме. Поскольку в поздней империи было обычной практикой переплавлять старую бронзу для повторного использования, эта статуя является одной из двух сохранившихся статуй дохристианского римского императора, учитывая ошибочное отождествление Марка Аврелия с Константином Великим.
Лошади Святого Марка, c. 5Й век до н.э.-4Й век нашей эры, Венеция.
Расположенные на вершине лоджии базилики Святого Марка в Венеции, эти четыре торжествующие лошади первоначально были частью памятника, изображающего «квадригу» — карету с четырьмя лошадьми, используемую для гонок на колесницах в древности. Квадрига была эмблемой триумфа, использовавшейся на древних Олимпийских играх или изображаемой в виде «Колесницы богов», на которой Аполлон ехал по небесам.
Несмотря на то, что четыре скульптуры показаны здесь без сопровождающей их колесницы, они вызывают в воображении мощь и триумф, связанные с гонками на колесницах в древнем мире. Каждая лошадь расположена динамично и в движении ногами, обладает мускулистым корпусом и развевающейся гривой. Сбруя и траппы, которые когда-то были позолочены, придают им царственный вид.
Некоторые ученые утверждают, что статуи были изготовлены в Греции (5Й/4Й век до нашей эры), даже приписывая их великим древнегреческим скульпторам, таким как Фидий или Лисипп. Ртутная позолота и особенности форм лошадей делают их римским творением, вдохновленным эллинской традицией.
Оригинальные скульптуры в настоящее время размещены в базилике, а их копии размещены на лоджии.
В Галерее Бульвар де Лис представлена фарфоровая скульптура Колесницы из бисквитного фарфора Royal Dux (Роял Дукс).
Одним из первых фарфоровых заводов Богемии основан завод в Духове в 1853 году.
Антикварная фарфоровая скульптура из бисквитного фарфора Royal Dux (Роял Дукс) произведена до 1918 года.
В 1860 году завод покупает опытный моделист Эдуард Эйхлер и основывает фирму «Э. Эйхлер Тонварен – Фабрик».
В 1862 г. он докупает небольшой заводик в Шельтах под Чешской Липой.
Мануфактура переживает бурный расцвет, производит главным образом терракоту, фаянс и майолику в копенгагенском, скандинавском и ворчестерском жанре. В 1878 г. получает фирма Эйхлера Серебряную медаль на выставке в Париже.
Завод укрепляет свой капитал переходом из частной собственности Эдуарда Эйхлера в форму акционерного общества, а в 1898 г. переименовывается на «Дуксер Порцеллан – Мануфактур, А-Г.» с центром в Берлине.
Наступил период модернизма. По заслуге главного моделиста мануфактуры Алоиса Гампела этот период относится к самым успешным в истории фирмы.
Фабрика в 1904 г. награждается призом Гранд При на всемирной выставке в Сент-Луис, в 1906 г. серебряной медалью на выставке в Милане и золотой выставочной медалью в Либерце. Дает работу 500 рабочим, в эксплуатации пять кольцевых и семнадцать муфельных печей, имеет собственное производство пара и электроэнергии. В Берлине, Гамбурге, Вене, Лондоне, Амстердаме, Болонье, Париже, Стокгольме и Мадриде имеет завод свои склады образцов и представителей. Товары выпускаются главным образом на экспорт, мануфактура имеет торговые связи с целой Европой, в том числе и с Россией, и с Северной Америкой.
Клеймо в тесте на розовом треугольнике: Royal Dux Bohemia с литерой «E» (маркировка до 1918 года).
Общий стиль выполнения этой антикварной фарфоровой скульптуры говорит о принадлежности этого изделия к периоду художественного руководства фабрикой Алоиса Гампела.
Страна: Австро-Венгрия, Высота: 400 мм, Длина: 500 мм, Ширина: 200 мм, Техника: Литье; Роспись красками; Роспись золотом, Материал: Антикварный фарфор — Бисквит
Паоло ди Доно (Уччелло), «Охота в лесу», ок. 1465–1470 гг.
После относительной непопулярности конного искусства в Средние века из-за центральной роли христианских образов, картина Паоло ди Уччелло «Охота» воспевает одно из самых популярных благородных развлечений эпохи Возрождения – охоту.
Картина демонстрирует новаторское использование перспективы, которым был известен Уччелло. Художник закрепил фокус в центре картины, как бы направляя охотников и их копья в даль леса, чтобы вовлечь зрителя во впечатляющую глубину картины.
Антикварная картина со сценой охоты и сейчас очень популярна в дизайне интерьера. В Галерее Бульвар де Лис представлена старинная картина Охота первой половины 19 века. Картина написана неизвестным художником в классических канонах европейской живописи.
Подобное построение перспективы — явный реверанс мастерам 17 — 18 веков, работами которых призывали вдохновляться многие консервативные среднеевропейские школы. Здесь чувствуется влияние испанской или южной французской манеры живописи.
Сама сцена этой антикварной картины весьма интересна: на верховую охоту вместе с мужем (всадник в красном) выехала жена (на белой лошади) — известен тот факт, что знатные дамы принимали участие в охоте.
Судя по малочисленности группы охотников — кроме супругов присутствуют лишь пара егерей — это будни семьи, живущей в замке, который художник изобразил на возвышении.
Сцена не является классической, поэтому мы можем предположить, что полотно было создано на заказ и, возможно, именно родовитый и зажиточный заказчик и изображен на переднем плане в красном охотничьем кафтане.
Год создания: 1800-1850 гг., Страна: Западная Европа, Длина: 960 мм., Высота: 710 мм., Техника: Масло, Материал: Холст.
Леонардо да Винчи и Питер Пауль Рубенс, подготовительный эскиз к Битве при Ангиари, 16Й и 17Й века.
Этот рисунок является самой известной сохранившейся интерпретацией запланированной Леонардо фрески для стены Палаццо делла Синьория во Флоренции, посвященной победе флорентийцев над Миланом в битве при Ангиари в 1440 году. На рисунке изображен центральный участок — ожесточенная битва за штандарт между четырьмя кавалеристами.
Само сражение примечательно тем, что, несмотря на то, что бой длился весь день и в нем участвовало несколько тысяч солдат, было сказано, что погиб только один солдат! По словам Никколо Макиавелли, единственная смерть произошла, «когда солдат упал с лошади».
Тем не менее, версия Леонардо вместо этого показывает ужас битвы, где человек и лошадь объединяются в борьбе за победу. Леонардо/Рубенс запечатлел сцену таким образом, что мы чувствуем страдания лошадей так же, как и их всадников, с их широко раскрытыми глазами, искаженными выражениями лиц и напряженными телами.
Самая известная версия подготовительных эскизов Леонардо, дополненная и дополненная Рубенсом. Между этим произведением и «Охотой на бегемота и крокодила» Рубенса можно увидеть много композиционного сходства.
Донателло, статуя Гаттамелаты, 1453 год.
Первая полноразмерная статуя итальянской эпохи Возрождения, эта впечатляющая скульптура имеет много общего со статуей Марка Аврелия. Бронзовая статуя итальянского военного генерала Эразмо да Нарни, известного как «Гаттамелата» была изготовлена Донателло.
Художник изображает генерала верхом на лошади, чтобы передать ощущение военного триумфа. Фигура и лошадь зеркально отражены в позе и расположении, они одинаково бдительны в отношении любой приближающейся угрозы. Передняя левая нога лошади опирается на пушечное ядро, что еще раз символизирует военные достижения генерала. Возникает ощущение, что лошадь Гаттамелаты сыграла важную роль в его военных победах.
Статуя примечательна тем, что вновь представила величие и натурализм классического конного портрета в западном мире искусства и стала моделью для многих будущих памятных скульптур.
Статуя находится на площади Пьяцца дель Санто в Падуе, Италия. В отличие от статуи Марка Аврелия, Гаттамелата не больше натуральной величины, что свидетельствует о приверженности художника натуралистическому изображению.
Гийом Косту, «Марли-лошади», 1743-45 года.
Одна из самых известных скульптур лошадей в истории, эта мраморная пара была заказана королем Франции Людовиком XV и должна была сидеть у входа на территорию его замка Марли (отсюда и их название).
В то время как статуи Марка Аврелия и Гаттамелаты объединили человека и лошадь, чтобы увеличить человеческую фигуру, здесь именно лошадь доминирует над человеком. Она встала на дыбы в то время, как хозяин изо всех сил пытается удержать ее. Скульптуры Косту воспевают мощь и красоту лошади, изображая ее с впечатляющей анатомической точностью.
Копии скульптур стоят на площади Согласия, а оригинальные статуи теперь размещены в крыле Лувра Ришелье.
Джордж Стаббс, около 1762 года.
Возможно самый известный портрет лошади считается шедевром британского художника Джорджа Стаббса, известного своими конными сюжетами. Картина была написана по заказу владельца лошади (по кличке Вислджэкет) Маркиза Рокингем, который заказал этот портрет своей призовой скаковой лошади в натуральную величину.
В то время, как лошадь действительно одержала знаменитую победу несколькими годами ранее, этот портрет является скорее празднованием прекрасной формы Вислджэкет. Густая каштановая шерсть, хвост и грива лошади указывают на то, что это чистокровная арабская порода – одна из самых желанных пород лошадей в мире.
Вислджэкет изображен в одиночестве, на нейтральном фоне. Лишенная какого-либо всадника, атрибутов или даже седла, лошадь свободна от контроля со стороны человека и рассматривается, как достойный объект портретной живописи сама по себе.
В то время как оригинал находится в Национальной галерее, копия впечатляющего портрета продолжает висеть на своем первоначальном месте, в Вентворт-Вудхаусе, Йоркшир.
Жак-Луи Давид, Наполеон пересекает Альпы, 1801 год.
Картина является одним из пяти конных портретов Наполеона Бонапарта, написанных Давидом маслом на холсте. Этот идеализированный образ триумфального вождя верхом на лошади стал одним из самых известных и воспроизводимых образов Наполеона.
В мае 1800 года Наполеон повел свои войска через Альпы в военную кампанию против австрийцев, которых он затем разбил в битве при Маренго. Картина увековечивает это решающее военное достижение. Картина была заказана королем Испании Карлом IV для Королевского дворца в Мадриде.
Сам Наполеон просил, чтобы его изображали как «calme sur un cheval fougueux» — «спокойствие на огненном коне». Изображая великого вождя, контролирующего этого «дикого зверя», Давид создает портрет хладнокровного полководца. После этой первой версии картины были написаны еще три версии, которые должны были быть размещены в различных европейских странах, завоеванных Наполеоном, но окончательная версия так и осталась в студии Давида.
На картине Давид пишет штормовой пейзаж, на самом деле переправа была совершена в хорошую погоду, когда Наполеон пересекал горы на муле с проводником.
Роза Бонёр, «Конная ярмарка», 1852-55 года.
Получившая широкое признание после своего дебюта на Парижском салоне в 1853 году, эта работа является самой известной картиной известного художника-анималиста Розы Бонёр. В то время как Бонёр вдохновлялась работами Эжена Делакруа и Джорджа Стаббса, наибольшее влияние на «Конную ярмарку» оказала древнегреческая скульптура, и Бонёр рассматривала эту работу как свой собственный «Фриз Парфенона».
На картине изображен конный рынок, проводимый на бульваре де л’Опиталь в Париже. Бонёр делала там зарисовки два раза в неделю в течение полутора лет. Чтобы избежать нежелательного внимания, она даже получила разрешение от полиции переодеться мужчиной. В то время, когда женщины-художницы становились все более популярными, эту работу хвалили за отсутствие заметной женственности, а один критик восхищался тем, насколько «мужественным произведением является произведение женской руки».
Эдгар Дега, «На скачках в сельской местности», 1869 год.
Несмотря на свое название, эта картина Дега кажется больше посвященной зрителям, чем самим скачкам. Работа больше похожа на фотографию, чем на картину 19-го века. Дега помещает на передний план карету, запряженную лошадьми, в которой находится молодая семья из высшего класса. Поскольку сами скачки низведены до уровня фоновой миниатюры, зритель вместо этого сосредотачивается на семейной сцене.
И хотя это может и не было его целью, Дега иллюстрирует различные варианты использования лошадей в то время: за скачками наблюдают сидящие на лошадях зрители, в то время как семья на переднем плане сидит в карете, запряженной лошадьми. Картина показывает лошадей в повседневной жизни среднего и высшего классов, которые используются не только для спорта или военных целей, но и для повседневных нужд.
Поскольку импрессионистское движение было направлено на запечатление тонкостей повседневной жизни, неудивительно, что этот портрет стал одним из вкладов Дега в первую импрессионистскую выставку в 1874 году.
Помимо демонстрации влияния фотографии, ученые также предположили, что эта работа имеет сходство с цветовой палитрой английских сцен скачек и композицией японских гравюр на дереве, которые были популярны во Франции в то время.
Жан-Леон Жером, Всадники, пересекающие пустыню, 1870
Эта впечатляющая картина маслом является одной из самых известных ориенталистских работ всех времен. Группа всадников пересекает бесплодную пустынную равнину под лучами полуденного египетского солнца. Эта чрезвычайно запоминающаяся работа принадлежит французскому художнику Жерону, который неоднократно путешествовал по египетским пустыням.
В отличие умиротворенности картины Дега, эта картина фокусируется на изоляции и жаре пустыни.
Лошади играют фундаментальную роль в ориенталистском искусстве. Поскольку арабская лошадь является одной из самых ценных пород во всем мире, арабский народ и его лошади стали символом тоски западных художников по доиндустриальному прошлому, где доминировала красота флоры и фауны. Конская тематика до сих пор не утратила свою привлекательность для коллекционеров востоковедческих произведений.
Как и Дега, Жером находился под влиянием фотографии – эта работа основана на фотографиях, сделанных Фредериком Огюстом Бартольди (который сопровождал Жерома в египетской экспедиции), а также на собственных эскизах Жерома.
Франц Марк, «Синие лошади», 1911 год.
Двадцатый век положил начало целому ряду новых художественных течений, которые стремились отойти от жестких условностей академической живописи. Художник Франц Марк был родоначальником немецкого экспрессионистского движения, которое искажало форму и цвет, чтобы отдать приоритет субъективным эмоциям и переживаниям.
Эта картина является одной из самых важных работ Марка в его серии портретов лошадей. Три ярко окрашенные синие лошади изображены смотрящими вниз, на фоне покатых красных холмов. Изогнутые очертания животных отражают пейзаж позади них, и без ярких основных цветов лошади почти стали бы единым целым со своим ландшафтом.
Марк считал животных более божественными и чистыми, чем люди, и цвета и линии подчеркивают эту духовность: изогнутые линии дарят ощущение гармонии с миром природы. Марк использовал синий цвет на протяжении всей своей карьеры, чтобы вызвать идеи трансцендентности и нематериальности.
Выразительная картина послужила вдохновением для поэтического сборника Мэри Оливер «Синие лошади». В титульном стихотворении Оливер размышляет об эмоциональной силе этого произведения.
Альфред Маннингс, «Старт в Ньюмаркете». около 1940-53 года.
Эта картина находится в Музее изящных искусств Вирджинии, Ричмонд, Коллекция Пола Меллона.
Несмотря на то, что скачки изображены за мгновение до начала, Маннингс наполняет эту композицию захватывающими деталями: вставшие на дыбы лошади, красочно одетые жокеи и надвигающиеся темные тучи добавляют ощущения предвкушения и волнения.
Наполненная предвкушением, эта картина запечатлела волнение скачек, спорта, который продолжает оставаться британским институтом и который захватывал английского художника Альфреда Маннингса на протяжении всей его карьеры.
Изображения лошадей и скачек Маннингса развивались на протяжении всей его жизни, но стали доминировать в его работах после Второй мировой войны. Для художника особо притягательным был старт скачек: Маннингс любил изображать момент напряженной тишины перед тем, как лошади разразятся спринтом.
Любовь художника к лошадям осталась на всю жизнь. В лекции в конце своей жизни он сказал: «Если бы в мире не было лошадей, жизнь не стоила бы того, чтобы жить».
Энди Скотт, «Келпи», 2013 год.
Самые большие скульптуры лошадей в мире, монументальные современные работы Энди Скотта далеки от картин и скульптур, о которых мы говорили ранее. Возвышаясь на 30 метров в высоту, скульптуры были разработаны, чтобы увековечить важность лошадей в формировании ландшафта современного Фолкерка (город в центральной части Шотланди0.
Изготовленные из более чем 600 тонн стали, скульптуры смоделированы по образцу двух лошадей породы Клайсдейл (шотландская порода тягловых лошадей) по кличке Дюк и Барон.
Келпи были духами, похожими на лошадей, которые населяли озера в шотландском фольклоре и обладали силой и выносливостью десяти лошадей. Вызвав мощные ассоциации с этими мифическими водяными лошадьми, Скотт смог создать памятник, который отмечает центральное место лошадей в истории шотландской промышленности и сельского хозяйства.
